Chorégraphe

Le métier

Le ou la chorégraphe imagine les mouvements, les déplacements et les figures des danseurs dans un espace donné. Il ou elle joue avec les ombres, les lumières, les couleurs, les effets sonores et la musique pour que le corps exprime une émotion ou une vision du monde. Ce n'est pas seulement diriger des danseurs autour d'un thème ou d'une histoire : il faut porter un projet artistique entier, qu'il s'agisse d'un opéra, d'un ballet, d'une pièce de théâtre, d'une comédie musicale, d'un défilé de mode ou d'une cérémonie d'ouverture des Jeux olympiques, pour la scène, la télévision ou le cinéma.

Ce qui distingue ce métier de celui de danseur interprète, c'est la place de la conception. Le ou la chorégraphe défend une manière personnelle de faire danser, et doit la faire reconnaître. Il ou elle agit à la fois comme directeur ou directrice artistique et comme chef ou cheffe de troupe.

Le travail se fait avec une équipe large : maîtres de ballet, danseurs, musiciens, scénographes, éclairagistes, costumiers, maquilleurs. Il faut aussi composer avec les personnes qui décident et les financiers, qu'il faut convaincre pour qu'un projet voie le jour.

Une journée de travail

Une part importante du temps passe avant la scène. Les auditions permettent de choisir les interprètes, puis viennent les répétitions, souvent longues, où l'on affine chaque figure, chaque transition, chaque rapport à la lumière et au son. Les tournées, en France comme à l'étranger, prolongent ce travail une fois le spectacle créé.

Le chorégraphe doit aussi tenir le fil de l'ensemble : écrire des partitions de danse, adapter ses intentions quand la direction artistique change, veiller à la sécurité et à l'hygiène dans les lieux de travail, et mobiliser l'équipe de production autour d'une même vision.

Les qualités qui comptent

Il faut une pratique de la danse solide, une bonne condition physique entretenue au quotidien, et une oreille sensible au rythme et à la musicalité. Mais la technique ne suffit pas : la créativité, l'inventivité et la capacité à défendre une proposition devant des décideurs comptent autant. La persévérance, la rigueur et la précision sont indispensables pour tenir la durée des projets, et la maîtrise de soi pour gérer le stress des représentations en direct. Savoir s'adapter aux changements et communiquer clairement avec une équipe nombreuse fait partie du métier, tout comme l'anglais dans un contexte professionnel.

Conditions de travail

Le statut le plus fréquent est celui de salarié intermittent du spectacle, avec des contrats qui s'enchaînent selon les projets, ce qui implique une forte irrégularité de revenus et de charge de travail. Des salariés du secteur privé, en CDI ou en CDD, travaillent aussi dans ce domaine. Les horaires sont décalés, souvent le soir et le week-end, avec des pics d'activité en période de création et de tournée. Les lieux varient : institutions culturelles, sociétés de production audiovisuelle, structures de loisirs, culturelles ou touristiques, structures sportives, mais aussi le studio, le plateau ou la rue. Les déplacements sont fréquents, et le travail se fait en mode projet, parfois avec une polyactivité assumée.

Comment y accéder

Aucun diplôme n'est obligatoire pour devenir danseur professionnel, mais la pratique de la danse acquise en conservatoire ou en école de danse est la base. Pour apprendre la composition chorégraphique, des stages permettent d'acquérir les premières bases.

Le niveau minimum d'accès est le baccalauréat ou un équivalent. Plusieurs diplômes existent : le diplôme d'études chorégraphiques, au niveau bac, le certificat d'école d'études supérieures chorégraphiques, au niveau bac + 2, la spécialité professionnelle artiste chorégraphique, au niveau bac + 3, et le diplôme national supérieur professionnel de danseur, un diplôme d'État au niveau bac + 3. Ce dernier est proposé dans six formations en école ou à l'université, et trois formations en apprentissage sont aussi liées au métier. Les durées d'études varient selon le parcours choisi.